miércoles, 30 de octubre de 2013
BODY ART
BODY ART
El body art es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 60 en Europa y, en especial, en Estados Unidos.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o ''performance'', con una documentación fotográfica o videográfica posterior.
Dicho movimiento constituye una reducción del arte del comportamiento puesto que éste ya había indicado el uso del cuerpo entre sus primeros instrumentos. El cuerpo se convierte en un sistema de signos y también en espacio privilegiado mediante el cual el artista se celebra a sí mismo y a su propia soledad narcisista. El yo es el lugar que el artista opone frente a la realidad, consciente de que todo su aparato psicosomático (como ya había descubierto Duchamp) vive dentro del lenguaje y, por tanto, de su situación, en la medida en que la sociedad tiende a definir como artístico cualquier gesto que haya sido producido por quien detesta la etiqueta de artista.
Dentro de la categoría general de Body Art, podemos definir al Body Painting como una pintura artística aplicada a la piel y es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados quienes descubrieron que la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros elementos provenientes del reino animal, vegetal y mineral, servían quizás para impresionar al enemigo, en forma de pintura de guerra, o de señal de reconocimiento de una tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza.
CARACTERÍSTICAS
- · En primer lugar, y a diferencia del happening o de fluxus, en el “Body Art” no hay improvisación. Esto, además, es un punto de encuentro con el arte conceptual
- El “Body Art” critica una concepción de sujeto en la que no se pueda acceder y conocer al mundo y a los otros de manera perceptual.
- La obra es una acción y esto la hace efímera, su temporalidad está determinada por tal acción
- Dado su carácter temporal, lo que queda de la obra son “documentos” como fotografías y videos, cobrando mucha importancia como nuevos medios
ANTECEDENTES
Si bien fue en los 60´s y 70´s el auge de este tipo
de expresiones fuertemente corporales, presenciales, experimentales,
activistas, hubo un largo recorrido anterior, un fluir, entre el ritual y
el entretenimiento, entre la eficacia y el espectáculo, desde el
nacimiento de la cultura. Pero entre los historiadores del arte, hay
cierto acuerdo en reconocer el nacimiento de la performance art de mano
de los Futuristas italianos durante los convulsionados primeros años del
siglo XX. También Tristan Tzara y los artistas del Cabaret Voltaire
realizaron acciones similares. A fines de los años 30, Antonin Artaud
tuvo una influencia decisiva en los artistas de entreguerras, con El
teatro y su doble, fundando un teatro de la vida, de la autenticidad,
del gesto y de la improvisación.
En los 60, con los grupos que crearon el Accionismo vienés, la Situacionista Internacional, Fluxus y los Happenings, este tipo de arte se terminó de afianzar.
Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler realizaron, entre los 60 y los 70, performances extremas, en las que sus cuerpos eran sometidos a un grado de violencia muy grande. Frecuentemente eran llevados a prisión por períodos breves, acusados de violar las leyes de decencia, y sus trabajos eran caratulados como "fuera de la moral".
Yves Klein, Vito Acconci, Marina Abramovic, Valie Export, John Cage, Hermann Nitsch, Chris Burden, Carolee Schneemann, Yoko Ono, Joseph Beuys, Wolf Vostell y Allan Kaprow fueron otros artistas que fundaron la performance en los 60. En 1970 el dúo británico Gilbert and George creó la primera "escultura viviente", constituida por una performance durante la cual se pintaban de oro y sangre.
Pero quizá sea la obra de los accionistas vieneses, autoagresivas y extremas, la que más llama la atención, aunque todos los perfomers de esas décadas buscaban al ser humano "auténtico", no "castrado" por al funcionalismo de la sociedad; al hombre que vive por fuera de las leyes de la conveniencia o del provecho.
En Latinoamérica, la performance estuvo ligada no sólo a la importación de tendencias vanguardistas desde Europa y Estados Unidos, sino a los rituales de origen indígena propios de los pueblos originarios de las distintas regiones y también a su circulación interna. Pueden distinguirse, entonces, diferencias estéticas y conceptuales entre las acciones de estas regiones, en comparación de las antes nombradas, pero sin duda la razón principal es que los artistas que experimentan con este tipo de género tienden a producir obras autorreferenciales, que mucho tienen que ver con sus contextos, con sus entornos socioculturales.
Si bien es lícito afirmar que la acción representada por las estatuas vivientes es la confluencia entre performance y body art, éstas cambian completamente su sentido inicial. Ya no son la alternativa a un medio en decadencia ni la negación de la tradición del Arte, sino un medio más a disposición del artista, del cual puede hacer uso a voluntad, sin rechazar la posibilidad de alternarlo con los medios tradicionales.
Así, creemos que esta rama del arte callejero es un intento por recuperar un espacio festivo y común que ligue la práctica artística a su entorno socio-cultural. A través de su actividad reclaman la inserción de los artistas en el espacio público, el espacio que pertenece a cada uno de los habitantes permanentes y circunstanciales de la ciudad.
Nuevamente, las artes plásticas dialogan con el teatro, la música y la danza, en un intento de redefinir el arte, de borrar las antiguas fronteras que convertían a cada una de las disciplinas artísticas en compartimentos estancos. Es un intento por generar nuevas asociaciones, que si bien no son inéditas, sí lo son las formas concretas en que se materializan y los significados o mensajes que pretenden transmitir. Lo mismo ocurre con la relación que generan con el público que es el principal “target” de estas manifestaciones.
por: María Victoria Fornoni
BIBLIOGRAFIA:
http://www.itaucultural.org.br/aplicExternas/enciclopedia_IC/index.cfm?fuseaction=termos_texto_esp&cd_verbete=13819
http://www.artemza.com.ar/index.php?option=com_content&view=article&catid=24:medios&id=72:-el-body-art-o-arte-corporal-un-poco-de-historiaq-segunda-parte&Itemid=30eyetracking.doc
http://blog.dedalo.mx/2012/01/antecedentes-del-body-art.html
miércoles, 13 de marzo de 2013
El Romanticismo.
Romanticismo
El Romanticismo se puede definir como un movimiento que da un grito
de libertad, el cual posee un espíritu rebelde que va a luchar
contra las diversas corrientes racionalistas, las cuales tratan siempre
de menospreciar todo lo que no puede ser controlado al igual que contra
el neoclasicismo, que trata de coartar la libre expresión,
oponiéndose así a la observación de lo real.
La naturaleza, representa el estado primitivo del ser humano y la
revelación del misterio de Dios. En las primeras manifestaciones,
el romanticismo se va a dar como un movimiento religioso, el cual
revela la fe y la idea de la existencia de un más allá,
inseparable al alma humana. A pesar de ello se evidencia una contracción
en su carácter individualista y sentimental, que reacciona
ante cualquier disciplina y credo concreto.
El artista romántico
puede ser considerado individualista, apasionado y creador espontáneo
por naturaleza; de la manera más esencial e íntima,
toda norma le resulta profundamente desagradable. Se dice que el romanticismo
es en realidad una manera de sentir mucho mas que una simple elección
de un tema; es por ello que este sentimiento se percibe subjetivamente.El romanticismo deja de
un lado la inspiración en la Grecia y la Roma clásica,
así como también huye del realismo trivial y de la pura
belleza exterior para buscar el movimiento interior. Esta expresión
interna generalmente se manifiesta en lo sentimental, así como
muchas veces en lo fúnebre y en lo negativo. El artista trata
de captar el paisaje propio por lo que se identifica con él
exaltándolo y mostrando asimismo una tendencia hacia lo arcaico,
lo que le da cierta melancolía.
Caracteristicas
- El arte deja de regirse por la doctrina del Clasicismo.
- El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que pueden abrir horizontes mucho más amplios.
- Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra, lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer estético que la belleza.
- Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta expresar el mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir a mundos oscuros, penumbras o sueños.
- Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el mundo como algo inabarcable a lo que el hombre es incapaz de llegar. Esto genera un sentimiento de inferioridad y una angustia ante las fuerzas incontrolables de la Naturaleza.
- Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales, las raíces profundas de los pueblos natales. Se buscan los orígenes remotos de lo primigenio.
- Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo aquello que rechazaba el racionalismo ilustrado.
- Hay un vivencia profunda de la religión.
- Se impone el gusto por lo exótico. Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije profundamente en mundos orientales.
lunes, 4 de febrero de 2013
Historia del arte
La Historia del Arte
La Historia del Arte es una disciplina
humanística y científica que estudia la producción artística y la
cultura visual a lo largo de la historia ,tiene como objetivo principal el análisis de esta producción , de
sus procesos de creación y recepción, así como su contribución social
dentro de la historia de la cultura, constituyendo un saber relevante y
necesario en la sociedad actual.
La Historia del Arte como tal es fruto de una larga evolución con sus inicios en el siglo XVIII que marca el inicio de la modernidad y de nuestro mundo ya que en este momento tiene lugar una transformación en el pensamiento y aparece la idea de que el hombre debe entender la realidad mediante la razón, mediante su pensamiento.
En otras épocas como por ejemplo en la Edad Media se pensaba que el mundo era fruto de la Creación Divina y sólo desde esta creencia se podía entender, a través de la fe.
Por eso al siglo XVIII se le denomina el siglo de la razón, el siglo de las luces que está caracterizado por la Ilustración que propugnaba el cambio, la transformación del mundo a través de la razón.
En esta investigación sobre el intelecto humano comienzan a reparar en el arte como actividad creativa del intelecto humano y esto llevará a afirmar la autonomía del arte de forma que el arte se considera fruto del intelecto humano y es, por tanto, autónomo, y también que el único fin del arte es la consecución de la belleza (Texto de Lessing).
El arte hasta entonces ha cumplido una función de expresión de ideas políticas, religiosas, etc., lo que se quiere en estos momentos es romper con estas cuestiones y conseguir la autonomía del arte.
A partir de aquí diversos pensadores empiezan a hablar del arte y esto supone una ruptura fundamental para entender el arte contemporáneo que reafirmará su independencia y autonomía y reflexionará sobre sí mismo, sobre sus estilo, sobre sus técnicas, etc., en fin, sobre sus métodos de expresión.
Hay un poder que condiciona el arte y es el poder económico, así pues hay condicionantes comerciales, de moda, etc., así pues la autonomía total del arte no deja de ser una utopía.
Esta lucha por la autonomía va a dar lugar a que en el siglo XVIII se estudie la obra de arte y nacen 3 disciplinas que se ocuparán de su estudio desde 3 perspectivas distintas:
- La estética: Se ocupará de determinar la consecución de la belleza a través del arte.
- La crítica: Dado que el arte ya no funciona por encargo sino por medio de la exposición de las obras para que el público las juzgue y las adquiera. El nacimiento de las exposiciones dará lugar a la crítica artística cuya finalidad será hacer juicios de valor sobre las obras de arte.
- La Historia del Arte: Cuya finalidad es el estudio de las obras artísticas desde sus orígenes.
Arte
El arte es el uso de la habilidad y la imaginación, para crear objetos, experiencias, melodías o entornos con el fin de lograr el placer estético en el observador.Es la facultad de comunicar a los demás, los propios sentimientos, mediante el empleo de signos exteriores; y en particular en realizar y manifestar la belleza. "Es la expresión sensible de lo bello". El artista concibe y produce lo bello, utilizando los elementos naturales de que puede disponer; tal poder creador es, justamente, lo que más distingue el arte de la ciencia
Entre las disciplinas consideradas actualmente como arte,
están: la arquitectura, las manualidades, la danza, la decoración, el diseño, el
dibujo, la pintura, la moda, el cine, la literatura, la música (con todos sus
géneros y expresiones), la fotografía, la poesía, la escultura y el teatro. La
clasificación de todas las modalidades de esta actividad humana en nuestros días
es motivo de constantes debates, pero no podría ser menos para un tema tan
cautivante y elusivo como el arte.
http://html.rincondelvago.com/historia-del-arte_25.html
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